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A prosito de “Las Vidas…”

11 octubre, 2011 Deja un comentario

Ultimamente, he estado ojeando, dando vueltas, alrededor de un libro antiguo:

“Le vite de’ piu eccellenti pittori, scultori e architettori” de Giorgio Vasari .

“Las vidas de los más excelentes pintores, escultores, arquitectos  desde Cimabue a la actualidad”; El  libro, está escrito por el pintor y arquitecto Arentino Giorgio Vasari hacia el año 1550. Retrata la vida de algunos pintores, como Duccio, y de arquitectos y escultores, como Andrea dal Monte Sansovino, y  Filippo Brunelleschi,  del Renacimiento Italiano.

“Las Vidas…” no es un libro de historia al uso. tampoco un conjunto de biografias.

El texto tiene  referencias historicas, habla de encargos de personalidades de la epoca, para lugares concretos, pero   está lleno de anécdotas de la vida de los artistas , y de recursos técnicos antiguos, que han seguido una evolución  lógica hacia los actuales procedimientos y  tecnologías pictóricas, escultóricas etc.  es un  Tratado de Arte, escrito por un artista,   un libro de técnica, para artistas.

El Artista en el Estudio

8 septiembre, 2011 Deja un comentario

Parafraseando el titulo del libro, de Vasari,  en una especie de homenaje, he recuperado antiguos archivos, textos y fotografias de las webs “Artista en el Estudio” y “Los Artistas Plásticos”. Reportajes realizados hacia el año 2005, en Navarra y el País Vasco; que se habian perdido, en el mar de los entronques dialecticos de la web.

Las fotografías  presentan a varios artistas en su estudio, reflexionando a cerca de su obra, rodeados de sus materiales e inmersos en el proceso creativo…Desde la primera idea, al boceto, desde los prototipos,  a las piezas más grandes. Estas imágenes son un ejemplo de ese pequeño milagro creativo, que ocurre desde la materia prima a la Obra de Arte.

espero que les guste!

(EN CONSTRUCCIóN)

(En el estudio de DORA SALAZAR  hacia el año 2005).

Dora Salazar: La artista en el estudio nos muestra el proceso de creación de sus piezas…

Desde los primeros bocetos a los dibujos y grabados, para desarrollar las esculturas, todo un proceso que puede de acabar en escultura, o valerse por si mismo como obra de arte.

Nos sorprende verla dibujar con dominio sobre las planchas de grabado; las litografías para Don Herbert, son estudios de anatomía de sus piezas de hilo de cobre, y estas parecen bocetos o esbozos de ideas para las grandes piezas escultóricas…

Mientras suelda una de sus piezas, me cuenta sus últimos proyectos de Escultura Urbana para Bilbao, luego hablamos de sus videos, y me

enseña las máscaras, que aparecen en ellos. Es muy emocionante ver como conversa con sus piezas.

Vamos a la biblioteca, allí están su obras menos conocidas… Valiosísimos y enormes libros que contienen toda una serie de dibujos, sobre la metamorfosis de Kafka, espacios arquitectónicos de Bilbao, y Vitoria. La materia es totalmente pictórica y orgánica, hojas pesadas, en técnica mixta, dibujo, collage, frotage, grabado.

Le pregunto asombrada: Dora, ¿Cuánto cuesta este libro? Ella sonríe y… silencio.

Fotografias de las Obras:

-Esculturas de metal, Bestiario, de Dora Salazar en Parque del Mundo, Pamplona.

– Durante el montaje  de los andamios para las Esculturas danzantes,  de Dora Salazar en el Parlamento de Navarra.

-Pieza Dora Salazar sobre el hall del edificio de Rectorado en la Universidad Publica de Navarra.

-Fotos en el estudio de la Artista  Dora Salazar , dibujando, soldando las piezas,  haciendo bocetos y mientras conversamos .

-Vistas de la exposicion de Dora Salazar en la Galeria Arteko de San Sebastian.

-Obras de la exposicion de Dora Salazar “Soliloquios” en la Ciudadela de Pamplona hacia el año 2003.

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Dora Salazar

Marijose Rekalde.

(En el estudio de la artista hacia el año 2006)

En esta visita a la casa-estudio, acompañada por Marijose Rekalde, en todos los rincones de la casa está presente la obra y el proceso de trabajo de la artista.

Hay cuadros colgados de las paredes, esculturas junto a las puertas, objetos recopilados a modo de inspiración, para sus obras.

En una vitrina podemos encontrar huesos de animales, junto a esculturas, moldes de partes de su cuerpo, pequeñas piezas o parte de objetos que han dejado de desempeñar la función para la que fueron creados y esperando una vida nueva.

Hay una clara relación entre la vida y la obra, así en un momento de nuestra entrevista Marijose Rekalde me cuenta como las experiencias vividas en África están presentes en su obra, y de cómo las cosas que van pasando se van pegando, como pequeñas partes de un todo a sus piezas.

En su cuaderno de viaje podemos ver el encuentro con la obra del fotógrafo Gian Paolo Barbieri, así como dibujos del amigo Lamin y su retrato dormido, dibujos de los tatuajes rituales, y de imágenes publicitarias de Gambia, todo se va mezclando….vida y obra, los recuerdos y vivencias de Africa con el desarrollo de su trabajo, asi podemos ver coincidencias con obras anteriores a su viaje e inspiración para sus obras posteriores.

El interés por las formas orgánicas y en movimiento está claro, no sólo en las esculturas sino también en sus cuadros realizados a base de grandes cantidades de pintura al óleo, colores vivos y luminosos, de formas expresivas y curvas, composiciones de retratos subjetivos y realistas, nos acercan a la percepción que esta artista tiene de la vida y de lo que le rodea. Representan acciones cotidianas pero no son copias de estética fotográfica sino resultado de su apreciación personal.

Los materiales que recoge para sus esculturas son muchas veces orgánicos: trozos de cuero, huesos, cuerda, vidrio, piezas de metales oxidados, botellas de cristal, madera…que la artista une y da vida. En este proceso de reencarnación hay varios factores que tienen importancia: Por un lado la memoria que aportan los materiales (con sus huellas del paso del tiempo), las formas redondeadas que busca la artista nos recuerdan a los seres vivos, y la animación de estos objetos con su ingravidez, sugieren un paso más, que nosotros inventamos mentalmente.

Biennale di Venezia 2009 -Making Worlds- Exibition 53 International Art. 53 Bienal de Venezia.2009

3 diciembre, 2010 Deja un comentario

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Categorías:Bienal de Venecia

Mathijs de Bruijne. “Dagliga Drömmen”.

10 octubre, 2010 Deja un comentario

Trata de YouTube – Victory over the Future – Pavel Pepperstein – artist presentation

12 julio, 2010 Deja un comentario
Victory over the Future. Manifesto del Retrofuturismo.

-Ship depot in huge Head Buddha. Build in 2066.

-El Lissisky Airport in Perm,2102.

-Express highway in Sri-Lanka, 2115 year.

-The World Center of the Culture of islam (build in The Judean desert in 2118).

-“The Great Egg of Easter”The World Center of the Russian Orthodox Theologie Murom, 2124.

-Icone on the Moon. In the year 2144 the icone was replaced on the Moon for the Earth Within it’s miraculous and helpfull wiew.

-The planet “MIrror” in the year 2158 astronms of the Earth discovered The new planet in our galaxi. They call it “Mirror”- al the planet is covered with level of the black metan ice absolutelly smooth surface with high reflecting qualities. In the year 2210 expedition of the Earth had landed on the planet bud all the astronauts got the unknown desiese and nobody came back home.

-“The Red-Black Star” multifuncional bridge in Perm, the year 2201.

-The Bridge in form of Black Square, Kazachstan, 2031.

-The hopuses in form of (so called) “nucler mashroom” will became fasionable around 2280.

-The fliying Moniment of Lao-Tze on The Cloud. Over the Waterfall south of Chine, 2330.

-The Great Red Flag, 2500.

-“The Eye Arch” under Orinoco Lake, erected in the year 2515.

-The red Cube. In the year 2555 the huge building of the Government of The Earth has been erected in TThe Centerr of The Pacific ocean.

-The intergallaxi terminal “Mandala of Ying-Yang”. 2700.

-Communist spared station “Jupiter”. erected in the year 2737.

(…)

YouTube – Victory over the Future – Pavel Pepperstein – artist presentation

Francisco Ruiz de Infante. BlueSky.

14 febrero, 2010 Deja un comentario

Un antiguo depósito de aguas, en la Casa del Cordon  de Vitoria, sirvió de escenario para“El Foso” (1988) exposicion multimedia, de Francisco Ruiz de Infante.
Recuerdo sonidos de fondo,  dibujos,  cartas,  imagenes que se proyectan en las viejas paredes, y vuelan como fantasmas… un ambiente de misterio, envolvia todo aquello, parecia magia; pero no podia ser un hechizo, tampoco podia ser un sueño, ni era solo un pensamiento subjetivo…


En la obra de Francisco Ruiz de Infante  a menudo  los animales y las máquinarias son los protagonistas de accciones que reflejan el comportamiento humano. “BlueSky/Laboratorio de laboratorios” de Francisco Ruiz de Infante puede ser observada como un vivero, en el que el artista crea circunstancias y el espectador  participa en un experimento cientifico.

Fotografias de la instalacion de Francisco Ruiz de Intante en Artium: ierroc

En la instalacion de Artium este proyecto queda inmerso dentro de lo posible en un museo. Salas ocultas que el espectador descubre curioseando por una mirilla, un  agujero taladrado en la pared; es muy pequeño, pero absorbe toda nuestra curiosidad, y  descubre una sala secreta.


Francisco Ruiz de Infante y Nekane Aramburu presentan el proyecto BlueSky en el Auditorio ARTIUM “Preparativos para el viaje” trazando un  paseo por BlueSky, que mostrará en Argentina. Diario de noticias de Alava .



Más informacion:

BlueSky – Francisco Ruiz de Infante . taller de Re: Presentaciones

-Videos en    FRI TV

-Obras en Elba Benitez .

-Díptico Animal. Francisco Ruiz de Infante.

-A cerca de lo real. FranciscoRuiz de Infante en Buenos Aires .

-Francisco Ruiz de Infante. BLUESKY /Laboratorio de Laboratorios
Un proyecto de Francisco Ruiz de Infante. Fundacion espacio telefonica por Nekane Aramburu


-“La complejidad de las cosas simples”. Rodrigo ‎Alonso.


-Videos en Hamaca:

BlueSky/B.S.o.D. (trainning attitude 2009).
Uñas (2004).
La piedra de Nueva York (2003.2005).
Colisiones sin titulo (2000).
Los lobos (1995).
Elige tu predador (2001).
Paseos nocturnos (1994).
Las cosas simples (1993).
Yo soy de la gran Europa (1992).
El juicio (1991).
Lugar comun (1991).

Images de instalaciones y  performances  en Culture en Champagne Ardenne.


“Pourquoi attendre”. Centre D’Art Contemporain de Genève.

15 diciembre, 2009 Deja un comentario
Una exposicion en torno a los  Fondos André Iten en El Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra.
11.12.2009 – 7.2.2010.

Artistas: Giovanni Anselmo, Abramovic / Ulay, Vito Acconci, Samuel Beckett, Stefan Brüggemann,
Claude Closky, Martin Creed, Peter Friedl, Holger Friese et Max Kossatz, Thomas Hirschhorn,
Christelle Lheureux, Gianni Motti, Bruce Nauman, Jean-Paul Sartre, Richard Serra, Tatiana
Trouvé y Bill Viola.
 

"Pourquoi attendre"/ "Porqué esperar" concebida por Simon Lamunière está realizada, en parte, con las obras de video reunidas por André Iten en el Centre pour l’image contemporáine entre 1986 y 2008.

La exposición se divide en dos partes. La exposicion comienza en el hall, alrededor de la escalera por el cual el publico entra, y se presenta como una gran sala de espera dividida en 8 sectores. Despues de coger el ticket numerado para gestionar la cola, el visitante se situa en uno de los sectores para visionar los videos, elegidos entre las obras los fondos fotograficos de André Iten.


   

GIANNI MOTTI " HIGGS "
(ver video)
En busca del anti-Motti, CERN, Ginebra, 2005, vídeo.

El 20 de mayo de 2005 a las 5h 50m de la tarde, Gianni Motti se comparó con un protón. Bajó al túnel circular del LHC (Large Hadron Collider) recorrió los 27 kilómetros a pie, a una velocidad media no acelerada de 5 km/h (aproximadamente 6 horas). En comparación, las partículas dan la vuelta al anillo 11.000 veces por segundo.
Un travelling relata esta experiencia. El artista camina dentro del acelerador más grande del mundo, desierto y monótono.  Una camara le sigue a una  distancia constante.
En seis horas cumple lo que ningún científico había pensado experimentar. En este largometraje, el tiempo se acaba, como si dejase de contar.
El caminante parte como si fuera un átomo perdido en los ciclos del universo. Un malestar extraño nos sobrecoge, ese malestar, que Einstein llamaba relatividad.

 
   
 
CHRISTELLE LHEUREUX
« Bingo Show », film DVD, 2003, 8 min

ABRAMOVIC / ULAY
« Breathing In, Breathing Out », video, 1978, 10:26 min

VITO ACCONCI
« Focal Point », 1971, vidéo, 33 min

THOMAS HIRSCHHORN
« Für Reto Flury », 1994, vidéo, 5:30 min

BILL VIOLA
 « The Reflecting Pool », 1977–1979, vidéo, 7 min

RICHARD SERRA
« Anxious Automation », (1971), vidéo, 4:27 min

BRUCE NAUMAN
« Stamping in the Studio », 1968, vidéo, 1 h 02 min

OEUVRES “EN DIALOGUE”
(Partie périphérique de l’exposition)
GIOVANNI ANSELMO
« Invisibile », projection d’une diapositive, 1971

SAMUEL BECKETT
« Geistertrio », pièce pour la télévision écrite en 1975, réalisée en 1977 par Samuel Beckett, Alan
Schneider, interprétation : Klaus Herrn

MARTIN CREED
« Work No. 360: Half the air in a given space », 2004, ballons argentés 16 pouces, dimensions
variables.
         
PETER FRIEDL
« Untouched », 1995–1997, vidéo, 3:39 min
Dans « Untouched »,

GIANNI MOTTI
"Higgs" A la recherche de l’anti-Motti, CERN, Genève, 2005, vidéo, 5h50 min

JEAN PAUL SARTRE
« Huis Clos », 1965, vidéo, réalisation et adaptation
Michel Mitrani, 1 h 34 min

STEFAN BRÜGGEMANN
« (This Is Not Supposed To Be Here) », 2001, lettres vinyles noires
« Ceci n’est pas supposé être ici».

CLAUDE CLOSKY
(ver video)
« +1 », 2000, installation interactive.

 
TATIANA TROUVÉ
(ver video)
« Untitled », 2009, bronze, patine noire, cuivre, dimensions variables

HOLGER FRIESE ET MAX KOSSATZ. antworten
« http://www.antworten.de », 2005, version française conçue spécifiquement pour le Centre, 2009

 
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Categorías:Fotografía

¿Un torero Medalla de oro a las Bellas Artes?

26 octubre, 2009 Deja un comentario

¡¡¡VIVA CATALUÑA!!!

¡¡¡¡ABAJO LAS CORRIDAS DE TOROS!!!

¿¿¿LOS TOROS EN EL MINISTERIO DE CULTURA???

LAS CORRIDAS DE TOROS NO SE RETRANSMITIRAN  EN  TVE1

VOMITO. Musica Punk. Cultura urbana alternativa.

21 junio, 2009 Deja un comentario

 VOMITO la legendaria banda del Rock Punk del  Pais Vasco vuelve a los escenarios. Entrevista a Claus Groten de VOMITO  en exclusiva para “Los mejores artistas 2009”.


Mas información, introducción  a la Cultura Punk…


-Ideologia punk.

Cultura Punk.Subcultura Punk.

Urbandiccionario Punk.

Aclaración del punk,  ideologia y vestimenta.
Punk 77

-Como ser punk y no morir en el intento.
-Apunkalipsis entrevista.
-El paisaje de la ria de Bilbao, el desecho, la crisis despues del cierre de Altos Hornos de Vizcaya, las ruinas antes de la recuperacion de la ria de Bilbao con el proyecto del Museo Guggenheim

 

 

 

Victor y Claus concierto en 1987.
Exaltacion de la amistad en concierto de Vomito 1987

-¿Como comenzasteis a tocar? 

 

Nos juntamos a principios del año 84, éramos unos críos. Dani, nuestro primer batería, tenía 15 años y yo 16. Víctor y Mikel eran algo mayores, nos llevaban tres o cuatro años. Teníamos muchas inquietudes y ganas de dar rienda suelta a nuestra creatividad. También éramos muy golfos y rebeldes. Así que formar una banda punk resultó algo inevitable. Empezamos prácticamente de cero, no teníamos ninguna experiencia musical previa, pero le pusimos muchas ganas. Es verdad que, como dice el ideario punk, cualquiera puede coger un instrumento y formar una banda, pero si luego quieres hacer algo con fundamento, a currártelo y a meter horas.

Tuvimos suerte porque a mediados de los ochenta hubo una gran eclosión musical, lo que nos permitió tocar mucho en directo e ir haciendo tablas rápidamente. Y el fichar con una discográfica como Suicidas, con distribución nacional, nos abrió las puertas para tocar por todo el estado.

 

1984. Vomito Social.


 

-Define vuestra música.


 

 Básicamente siempre hemos sido un grupo de punk-rock, por nuestra actitud y la energía de nuestra música. Al principio, sobre todo por nuestras limitaciones como instrumentistas, nuestras canciones eran punk rudimentario y elemental, pero enseguida fuimos abriéndonos estilísticamente. Ahora en nuestro repertorio hay ingredientes de punk, rock´n´roll, metal e incluso power-pop. Somos bastante abiertos.


 

-¿Qué efecto produce la música de “Vomito” en la gente? ¿Qué veis en los conciertos?


 

 

Los Vomito tocando.
Saltando desde el escenario en el Concierto de Vomito 2009. 

 

Intentamos que nuestros conciertos sean una descarga de energía, cuanto más potente mejor.

Sacudir un poco a nuestro público y sudar con ellos. Sobre todo ahora que se conocen todas las canciones, los pogos son constantes desde el primer acorde hasta el final del bolo. Los conciertos de rock siempre han tenido un marcado carácter ritual, primitivo y salvaje, una forma de evasión colectiva.

Por otra parte nuestro público es cada vez más heterogéneo, cosa que nos encanta. Y últimamente nos ha sorprendido ver la cantidad de gente joven que nos conoce, nos encontramos con muchos chavales que son verdaderos fanáticos de la banda.


 

-En vuestras canciones se mezclan los problemas de vida real con las pesadillas de los cuentos de terror, referencias a la literatura, a la cultura del cómic. ¿A quien se le ocurren todas esas historias?


 

Víctor y yo devorábamos libros, cómics y películas, y teníamos especial debilidad por el género fantástico-terrorífico. Nuestras aficiones se retroalimentaban. Al principio las letras las componíamos entre los dos, y es verdad que eran más directas y combativas, como las de muchos otros grupos de entonces. Pero después de nuestro primer disco la labor recayó básicamente en mí. Fue entonces cuando empezaron a aflorar esas influencias y las llevamos al terreno de la música. La sangre, el caos, el miedo… nos fascinan.


 

-¿Qué canciones incluyen el nuevo disco?


 

En nuestro myspace hemos colgado seis canciones de nuestro repertorio que hemos vuelto a grabar, cantadas por mí y actualizadas. Para que la gente pueda descargárselas y escuche cómo sonamos Vómito ahora. Por otra parte ya tenemos terminados cinco nuevos temas. Tres de ellos, “Regreso a la escena del crimen”, “Historias” y “Niños terroristas”, van a salir en un single de vinilo en octubre. Nos lo edita Potencial Hardcore, un sello madrileño.

Para primavera tendremos terminado un nuevo CD, con diez o doce canciones nuevas, que completaremos con más actualizaciones de nuestro repertorio y seguramente el videoclip que acabamos de grabar de “Regreso a la escena del crimen”.

También hemos grabado una versión de “Brand new Cadillac” de los Clash, para un disco de homenaje a la banda con grupos de aquí, que saldrá después del verano publicado por Brixton Records.

Y estamos preparando varias versiones de uno de nuestros grupos favoritos “Parálisis permanente”, divirtiéndonos con arreglos de teclados y sintes. Tenemos hechas “Unidos” y “Sangre” y “Tengo un pasajero” en el horno.

Después del verano nos meteremos a fondo con el tema de nuestra propia página Web, para ir colgando todas esas cosas. Aunque saquemos ediciones en vinilo o CD, en ediciones muy cuidadas para los más fetichistas, nuestra forma de distribución será Internet y la descarga libre.


 

-¿Qué diferencias hay entre la primera versión de “SOY UNA BOMBA, UNA BOMBA NUCLEAR… “ y la nueva versión de 2009? ¿es tu voz?


 

Claus cantando 2009. Ejercicio de voz.

Mikel “El Gordo” guitarra, concierto Vomito 2009.


 

Lo de la voz es evidente. Víctor tenía una voz profunda, oscura y áspera. Yo no trato de imitarle y quizás mi interpretación resulte algo más rítmica.

En lo musical la diferencia es casi mayor. Tiene una base rítmica mucho más elaborada, al igual que los riffs de guitarra. Por no hablar de los arreglos y la producción. Es un lujo contar en el grupo con Mikel “El Gordo”, que además de un guitarra tremendo también es un arreglista y productor cojonudo. Todos hemos aprendido mucho de él.

En general todos nuestros temas antiguos están más elaborados ahora. Si Vómito llegamos a algo a pesar de las limitaciones de nuestros inicios, es porque teníamos un puñado de buenas canciones. Ahora que tenemos algo más de solvencia musical esos temas han ganado mucho.


 

-En los momentos de crisis, la gente tiende a buscarse la vida… ¿Es así como surge la cultura urbana alternativa?


 

Sí, está claro. Los momentos convulsos son terreno abonado para la creatividad. Hace falta algo de rabia y rebeldía para crear. O simplemente querer buscar tu propio camino y no conformarte con el ya hecho.

De todas formas vivimos en un sistema que cada vez lo fagocita todo con mayor rapidez, y lo subversivo enseguida se convierte en espectáculo o entretenimiento, perdiendo lo que de alternativo pudiera tener.


 

-“ANTES DE QUE PIERDA LA MEMORIA…” ¿Recuerdas la movida que se montó en torno a la ría de Bilbao en los años 80 y 90?


 

Recuerdo la ría de Bilbao antes de la transformación. Era un pozo de inmundicia acojonante. Bilbao me encanta ahora pero casi me gustaba más cuando era una urbe absolutamente mugrienta. Le tengo un cariño terrible. Junto con Vigo es la única ciudad que conozco de España que podría tener un superhéroe recorriendo sus calles o surcando su cielo.

Cuando estábamos en la facultad de Bellas Artes, a finales de los ochenta, varios artistas, entre ellos Alberto Lomas y Ana Dávila, realizamos una serie de obras con la ría como punto de partida. Para mí había algo de fascinación por lo absolutamente cutre y la poética del deshecho.

Nos metíamos en aquel barro asqueroso y sacábamos todo tipo de objetos: bicis, sillas de ruedas, cochecitos de niño… había hasta automóviles medio sumergidos y cadáveres de perros.

Luego utilizábamos todo aquello como material plástico, para realizar cuadros, instalaciones…

Era también algo muy punki.


 

 Entrevista: ierroc / Claus Groten


 Fotografias de : Myspace Vomito.


 

“LA OBRA SURGE DE LA OBRA”. Richard Serra.

19 abril, 2009 Los comentarios están cerrados

       

Richard Serra, investido “Doctor Honoris Causa” por la Universidad Publica de Navarra. (Diario de Noticias)

“LA OBRA SURGE DE LA OBRA”.
 
Conferencia de Richard Serra.
24 de Abril a las 19.30 h en el Museo de Navarra.
Presenta:
Francisco Calvo Serraller. Cátedra Jorge Oteiza de UPNA (Pamplona).
Carmen Gimenez Conservadora del Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York).
 
Richard Serra comienza la conferencia con un recorrido cronologico por su obra.
Disertando a cerca del espacio en “las Meninas” de Velazquez y  de la posición de los personajes principales en el cuadro, situados a modo de espectadores fuera del cuadro alude a la participacion del espectador en la obra, como motivo de  interes en sus esculturas.
  
       
 
En sus  las primeras obras confronta el sujeto con su representacion. Enjaula animales de verdad con sus homonimos de peluche; haciendo referencia a las cualidades intrinsecas del animal, no le interesa la representación sino una experimentación lúdica, en las que las cualidades del sujeto se manifiestan. El mundo real frente al mundo de las ideas, frente al mundo de las imágenes.
   
      
 
A traves de acciones directas con materiales como el plomo y el acero;  la gravedad, la interdependencia de las piezas, la transmisión de las cargas, o la capacidad de aguantar cargas, resultan evidentes.
 
           
 
La interacción con el pasisaje asi como la participacion del espectador son muy importantes en la valoracion de estas obras, de la misma manera que la obra modifica el paisaje, es el paisaje el que elige el lugar donde va colocada la pieza, y esta pieza es el contexto que nos envuelve, y que recorremos.
 
           

En los a Recorriendo “la Materia del tiempo” de Richard Serra en Museo Guggenheim de Bilbao podemos apreciar la interaccion, de la escultura, (de la arquitectura a pequeña escala), en el ser humano. La percepcion sensorial de estas esculturas-arquitecturas influyen en las personas, condicionan nuestro comportamiento.  Recibimos los efectos de la manipulacion de los materiales como un eco que su vez nos influye.

       
  
Actualmente está desarrollando la físicidad de figuras geométricas como el Toro, y tal vez  proyecta tambien una Gran Torre.
 
 
Una pregunta para Richard Serra:
 
    _…Las piezas grandes de Richard Serra (como “la materia del tiempo”, por ejemplo) son Arquitecturas que condicionan el comportamiento de las personas…¿es  consciente la Arquitectura del poder transformador del Arte?

“Durante años he discutido esta question con los arquitectos, y los arquitectos no quieren que nadie intervenga en su trabajo, ellos quieren hacer sus edificios y poner una gran bola dentro “.

temas relacionados:
 
-Richard Serra Invita a recorrer el espacio intimo de sus nuevas formas. El Pais.
-El arte no debe servir a la ideologia. Entrevista
-A cerca de la Arquitectura-Escultura.
-Arquitectura: Frank Gehry: Arquitectura de firma.
 
 
 

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Los Mandamientos de la Pintura

23 febrero, 2009 Deja un comentario
Algunas veces el Arte Contemporáneo tiende a nublar las fronteras entre las tradicionales disciplinas artísticas, la pintura, la escultura, el dibujo…y se mezcla también con las nuevas tecnologías como la fotografia y el video; perdiendo de vista el punto de partida y causa primera del Arte: imaginar…  
 "Los mandamientos de la pintura" es un codigo ético   con la única intención de rendir tributo a los antiguos que, en  algún  momento de la historia, decidieron dejar la realidad a un lado, y plasmar en dos dimensiones lo que el mundo real les ofrecia en tres…
 
 
0. Amarás la pintura sobre todas las cosas.
1. Darás prioridad al color. (primeramente y lo más importante el color del fondo)
2. Desdeñarás la escultura.
3. No calcarás.
4. No colorearás. (Iluminarás)
5. No renunciarás a tu caligrafia personal.
6. No utilizarás recursos decorativos innecesariamente.
7. No imitaras a nadie. Estudiarás: entender a Dali es pintar a Dali.
8. No pintarás aquello que puedas fotografiar.
9. No olvidarás que la cantidad y el tamaño… sí importan.
 
Gracias:
 
A Platon por el mundo de las ideas en la cavernas,
 
   
 
A Dibutades, por dibujar la sombra de su amante,
 
    
 
Paolo Ucello,  por sus ejercicios de perspectiva y color para efectos estereoscópicos,
 
   
 
A Alberti y a  Leonardo da Vinci por el "Tratado de Pintura",
 
 
A  Descartes,
 
    
 
A Willem de Kooning,  Yves kKein
 
         
 
Dalí y muchos más…
  
    
 Publicado por: ierroc
Categorías:Pintura

“Sobre Esther Ferrer”

1 diciembre, 2008 Deja un comentario

Vista de  la  21. Exposicion Audiovisual de la Facultad de Bellas Artes UPV.  Artistas invitados  Esther Ferrer y Tom Johnson .  Comisario Josu Rekalde. Textos: Itxaro Delgado Beltran de Heredia, Mikel Arce, Natxo Rodriuez Arcaute.

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Extracto del texto “sobre Esther Ferrer” del catalogo editado con motivo de la exposición.

Esther Ferrer es una artista conceptual, utiliza tantas disciplinas como necesite para expresar lo que le interesa. Distintas líneas o caminos se le van abriendo como relación  y/o como consecuencia de lo experimentado, del proceso que lleva a cabo cuando está en su estudio o no, viviendo algún tema o “problema artístico”. Ser artista es una de las profesiones en las que el pensamiento se mantiene funcionando y latente en todo momento por lo tanto, en cualquier tiempo y lugar puede suceder algo, cualquier cosa, que actúe como  detonante para una determinación.

 

El tiempo es una constante en su obra: contar el tiempo, pasar un tiempo, estar en un tiempo…  en definitiva ser consciente de que está pasando un tiempo y ese tiempo que ahora mismo ha pasado, ya no volverá a pasar.

 

Y es el tiempo en el espacio con la presencia, factores determinantes de una performance: un tiempo vivido, compartido con un público que está ahí porque así lo quiere y ese tiempo es contado a lo largo de sus performances, una vez con su propia voz, otras veces con la presencia de algún instrumento que marque ese tiempo que va pasando en un lugar determinado el cual puede ser recorrido de diferentes maneras,  teniendo en cuenta la partitura creada por  la artista e interpretándola según el momento, sus circunstancias y la duración determinada. Normalmente  incluye objetos  que a veces se hacen esenciales en el movimiento de la acción,  son objetos cotidianos, banales, que subrayan el aspecto de lo absurdo.

 

En 1978 participando con ZAJ en el Happening “el tren de John Cage.(A la búsqueda del silencio perdido)” realizó una performance en la que intervino en el  espacio de uno de los vagones utilizando largos hilos sujetos en el mobiliario del tren conformando una instalación como consecuencia de la performance pero que a la vez proponía una performance al público con la propia instalación.

 

La sutileza del hilo en el espacio  nos lleva a fragilidad del tiempo y su representación. Velázquez en una de sus principales pinturas nos presenta en primer plano, el laborioso y cotidiano trabajo de cinco hilanderas que bajo su apariencia de personajes propios de la época representan la Fábula de Minerva y Aracne; en el centro del cuadro, Velazquez nos abre el espacio representado a otra habitación (cuadro dentro de cuadro) en la que cuelga un tapiz con una escena mitológica de el rapto de Europa (cuadro dentro del cuadro del cuadro) ante el cual hay tres damas dos de las cuales observan  el tapiz y la otra mira directamente hacia nosotros (fuera del cuadro) , tal y como en los juegos de la pintura barroca se intenta comunicar la propia pintura con el público. Cuatro relaciones espacio temporales hilados con finas hebras de un mismo encuadre.

 

Los hilos para Esther Ferrer son tiempo,  este tipo de instalación e/o intervención espacial que realiza, tiene mucho que ver con la performance por su carácter efímero, normalmente se realizan para espacios concretos que muestran recorridos y formas que pueden o no  intervenir y relacionarse con otras. Como la performance que solo existe en el momento que la performer la realiza, las intervenciones con hilos  una vez cumplida su plazo de exposición son desmontadas, destruidas, se tiran. No son obras objetuales, puede quedar la huella de su existencia (fotografía, video…)

 

En otra ocasión Esther Ferrer elige un elemento tan sencillo como es el papel de impresión de una calculadora, lo desenrolla organizando formas azarosas que nos sorprende con un leves movimientos y sonido. Nos recuerda al “objeto ready-made con sonido secreto” de Duchamp y a sus comentarios: “… el sonido también ocupa espacio”.

Si hemos dicho que el tiempo, el espacio y la presencia son factores claves en su trabajo, el aspecto de lo absurdo puede ser el punto de partida:

……  para mi el mundo que vivimos es en sí mismo absurdo. El aspecto aparentemente racional desaparece en cuanto rascas un poquito. Con muchas de mis obras intento añadir más absurdo al absurdo por ver si consigo comprender algo. En realidad a veces pienso que si me he dedicado al arte, ha sido para intentar comprender el mundo o los mundos en que vivimos.  

Hoy, en este final de 2008, sentados, sentadas sobre una silla, un hilo finísimo sigue cayendo del techo; las blancas tiras de papel que recortamos en un sin fin nos van cubriendo, delatando un tiempo que sucede, un tiempo nuevo pero sin nuevos pensamientos, con innovaciones tecnológicas pero sin renovación ni evolución política,  … … …… un tiempo que se nos ofrecen rápido ¿podremos pensarlo y hacerlo pasar con sus ritmos y cadencias naturales?  si no, siempre  podemos tener en cuenta la otra opción que nos ofrece Esther Ferrer en “Le fil du temps[1]

[1] La misma acción puede realizarse con otro elemento, harina, por ejemplo. En este caso la acción termina cuando esta llega a la altura del cuello. Pero en el caso de que la persona o las personas que realizan la acción quieran suicidarse, pueden continuar hasta que la harina les cubra completamente y les impida respirar.

 

 Itxaro Delgado Beltran de Heredia (Gasteiz, 2008ko azaroa)


Esther Ferrer Sin titulo calc 2_1

 

 

Temas relacionados:

 

Esther Ferrer Arteleku.

Esther Ferrer Premio Nacional de Artes Plásticas

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Desde la experiencia con la materia a la realidad Inmaterial

23 julio, 2008 Deja un comentario

 

 Yves Klein (1928-1962) 

 

Descendiente de pintores, comienza a pintar cuadros de una manera puntillista y monocroma en 1946.

 

Posteriormente trabaja en el taller de Robert Savage fabricando marcos. es allí donde trabaja en la elaboracion de las colas, los colores, los barnices, el pan de oro, y entra en contacto directamente con la materia de la pintura. Las hojas de pan de oro que vuelan literalmente a la menor corriente de aire, a merced de nuestra respiracion incluso. Totalmente cegado por la iluminacion de la materia en su cualidad fisica, vuelve a pintar de noche en su habitacion, los gouache monocromos, sobre carton blanco. Intentando retener la luminosidad del pigmento en polvo, del azul ultramar; el más volatil e inestable de todos los pigmentos. Experimenta con todos los mediums posibles.

                    

    Pigmento azul Ultramar    lámina de Pan de oro

 

"Los colores al óleo, me parecía que estaban muertos. Lo que me gustaba por encima de todo eran los pigmentos puros, en polvo, tal y como los veia en  casa de los comerciantes de colores…Lo que me desolaba era ver cómo aquel polvo incandescente, una vez mezclado con una cola o medium cualquiera destinado a fijarlo a un soporte perdia todo su valor…Irresitiblemente llamado por esa materia nueva monocroma, decidi emprender las busquedas técnicas necesarias para encontrar un medium capaz de fijar el pigmento puro sin alterarlo."  

           

Respecto a la eleccion por la monocromia en sus cuadros, conociendo la obra de Mondrian y Malevich apunta en cierta manera  "La interaccion del color" de Joseph Albers en 1963.

"desde el momento en que hay dos colores en una pintura, el combate ha comenzado. del espectáculo permanente de los colores en lucha (…) el espectador encuentra un delicado placer pero no menos mórbido desde el punto de vista filosófico y humano…" (Yves Klein)

 

"Para mí  el color es libre, se disuelve instantáneamente en el espacio. Los colores son los verdaderos habitantes del espacio. La linea no hace nada más que viajar por el espacio"

En 1957 anuncia que ha penetrado en el mundo del deseo , el reino del color y su abolición de la fijación dualista y de la figuracion , decide desembarazarse del arte del ego y  la forma, y tomar consciencia de su parentesco  con el espacio. De esta toma de conciencia nace su "espíritu monócromo".

 

         I.K.BEponges Yves Klein

 

Un acetato polivinilico llamado Rhodopas.M. mezclado con el pigmento mantiene inalterables las cualidades del pigmento azul: IKB.

Las  esculturas de esponja simbolizan al espectador que queda embebido despues de contemplar el cuadro monocrono.

La esponja, en  la "Cosmogonía"   Rosacruz de Heindel  ilustra la conquista el reino material por el espiritu.

 

 

      Yves Klein8

Sumergidas en diferentes concentraciones de IKB conforman el relieve monumental del interior de la öpera de Gelsenkirchen

 

     Sello Azul Yves Klein    Yves Klein Tinguely

La inmaterialidad es posible: el sello azul llevo la carta a su destino.  

"Escavatrice de L’espace" excava un hueco en el espacio. Escultura realizada con Jean Tinguely para La exposicón:"Velocidad pura y estabilidad monocroma".    

 

 

    Yves Klein11     Yves Klein 7

Las "Cosmogonias". Realizadas con los cuatro elementos: Agua, fuego, aire, tierra. 

Pintura: cuadro realizado con fuego, Escultura realizada con agua, y arquitectura: muro de fuego.

 

 

Las obras inmateriales de Yves Klein, la exposicion del vacio, las zonas impregnadas de su sensibilidad, le hacen avanzar por delante  de  su tiempo, augurando conceptos que se han desarrollado ampliamente en el siglo XX. Convencido de la levitación, de la arquitectura del aire, con espacios climatizados, que ofrecerian a los hombres largas temporadas abrigados a las inclemencias del tiempo; intuía que sin la linea, sin pintura, sin pinceles, sin soporte, sin espacio, sin dinero… La realidad inmaterial existe, por encima del tiempo y del espacio y es posible, tambien  ahora  en internet.

Acelerador de particulas en marcha el proximo 10 de septiembre.

 

         Cita video Yves Klein

YouTube – Yves Klein Anthropométries 

 

 

                                    Publicado por: ierroc 

 



 

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Categorías:Pintura

Jeff Koons. Deseos concedidos.

29 mayo, 2008 Deja un comentario

Video de a exposicion de Jeff Koons en Versailles

Jeff Koons. MCA. Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.
Jeff koons.MCA
“Seize this rare opportunity to hear the artist talk about his incredible work and view the Jeff Koons exhibition on its opening day. With their seductive surfaces and flawless execution, Koons’s works transform everyday objects and fantasies into high art “.
“The major contemporary artist-provocateur Jeff Koons is one of the most well-known and intriguing artists of the 20th century. His works, with their seductive surfaces and flawless execution, transform everyday objects and fantasies into high art. The artist is working closely with the MCA to create a carefully selected survey focusing on his most iconic sculptural works. The MCA presented Koons’s first American survey in 1988, before he began his often controversial series of works in porcelain. It is fitting for the MCA to revisit the career of this now-seminal figure in contemporary art and to explore his work’s significance for a new generation”.
Version française.
Trois désirs accordés par Jeff Koons :
1.Personne pourrá degonffler mon ballon de lapin.
2.Mes tulipes ne se faneront jamais.
3.Je croîtrai tant, que le monde sera à mes pieds et aussi je veux une jolie maison pour mon chien.
Jeff Koons est l’un des rares artistes contemporains qui a réussi à faire un art totalement populaire. Il choisit soigneusement le sujet, les matériels, la couleur, le lieu, et l’échelle de ses oeuvres. Tout est nécessaire pour que l’imagination se convertisse en réalité, dans une réalité pleine de satisfaction .
Actuellement
l’exposition dans le Palais de Versailles, est un clair exemple : le palais du roi Sol, c’est la scenaire, et transforme  l’artiste contemporain Jeff Joons en artiste classique, le buste en acier inoxydable du roi “Louis XIV” que l’artiste a realisé en 1986, une prémonition, est maintenant à la fin dans sa propre maison. Maintenant la sauterelle de plastique coloré “Lobster”,  suspendu du plafond comme si c’était une araignée authentique en cristal barroque, et dans la dépendance de la reine Marie Antonieta “Large Vase of Flowers” (132,1×109,2×109,2 un cm.) un bouquet splendide de fleurs en bois polychromé préside l’habilitation.
Version española.
 

Tres deseos concedidos  por Jeff Koons:
1. Nadie podrá explotar mi globo de conejito.
2. Mis tulipanes no se marchitarán  jamás.
3. Creceré tanto, que el mundo estará  a mis pies  y tambien quiero
una bonita casa para mi perro…
Jeff Koons es uno de los raros artistas contemporáneos que ha conseguido hacer un arte totalmente popular.  Elige cuidadosamente el tema, los materiales, el color, el lugar, y la escala de sus obras. Todo es necesario  para que  la fantasía se convierta en realidad, en una realidad totalmente satistactoria.
Actualmente la exposicion en el Palacio de Versailles, es un claro ejemplo: el palacio del rey Sol, es el escenario, y convierte al artista contemporáneo Jeff Joons en un artista clásico, el busto de acero inoxidable del rey “Louis XIV” realizó en 1986, una  premonicion, está al fin en  su propia casa. Ahora la langosta de plástico coloreado “Lobster”, cuelga del techo como si fuera una auténtica  araña de cristal, y en las dependencias de la reina Maria Antonieta “Large Vase of Flowers” (132,1×109,2×109,2 cm.) un espléndido ramo de flores de madera policromada preside la habitacion.
jeff koons1 Tulipanes Jeff Koons
Rabbit / STATUARY
stainless steel
41 x 19 x 12 inches
104.1 x 48.3 x 30.5 cm
Edition of 3 plus AP
1986
Tulips / CELEBRATIONS
high chromium stainless steel with transparent color coating
80 x 180 x 205 inches
203.2 x 457.2 x 520.7 cm
unique versions
1995-2004
Guggenheim Bilbao
Puppy / PUPPY
stainless steel, wood (at Arolsen only), soil, geotextile fabric,
internal irrigation system, live flowering plants
486 x 486 x 256 inches
1234.4 x 1234.4 x 650.2 cm
Installations at arolsen 1992, sydney 1995-96, bilbao 1997
(permanent installation), new york rockefeller 2000, private collection
(permanent installation) 1992
Publicado por:  ierroc

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“GENEVE *accesible”. Antoni Abad. Centre d’Art Contemporain de Genève

28 abril, 2008 Deja un comentario
 
        
 
Version española
 
El proyecto "GENEVE*accessible ", lanzado por la ciudad de Ginebra en colaboración con la asociación Handicap Arquitectura y Urbanismo (HAU), tiene como objetivo facilitar el desplazamiento de las personas a movilidad reducida. Concebido y orquestrado por el artista catalán Antoni Abad, este proyecto cruza dos dimensiones esenciales – la acción social y la práctica artística – activamente incluyendo a las personas concernidas. El proyecto se celebró en tres tiempos: primero la colocación de la arquitectura de una ubicación(sitio) internet, luego la distribución de teléfonos transportables a personas en situación de handicap que les permitió catalogar y cartografiar sobre la ubicación(sitio) los obstáculos a su movilidad. Al final se presentar el resultado de este trabajo en el Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra en el marco de una serie de eventos vivientes: la semaine «Créateurs Singuliers» (du 27 mai au 1er juin). Comisaria  de la exposicon: Katya García Anton.
 
     Geneve accesible Antoni Abad    Accesible Antoni Abad Barcelone 2002  
 
 Mapa de Ginebra. de accesibilidad/inaccesibilidad: Bravos-peligros-desviaciones-entradas-escaleras-imposiblilidades-incivilidades-suelos-transportes-pasillos.
  
 
Colectivos que transmiten desde sus telefonos moviles:
Taxistas de Mexico D.F 2004
Gitanos de lleida 2005
Gitanos de Leon 2005
Prostitutas de Madrid 2005
Persones discapcitades de Barcelona 2006
Inmigrantes nicaragúenses en Costa Rica 2006
Motoboys de Sao Paulo 2007
 
Version Française
 
Le projet «GENEVE*accessible», lancé par la ville de Genève en partenariat avec l’association Handicap Architecture Urbanisme (HAU), a pour objectif de faciliter le déplacement des personnes à mobilité réduite. Conçu et orchestré par l’artiste catalan Antoni Abad, ce projet croise deux dimensions essentielles – l’action sociale et la pratique artistique – tout en incluant activement les personnes concernées. Le projet s’est déroulé en trois temps: d’abord la mise en place de l’architecture d’un site internet, puis la distribution de téléphones portables à des personnes en situation de handicap qui leur a permis de répertorier et de cartographier sur le site les obstacles à leur mobilité. Enfin, la présentation du résultat de ce travail au Centre d’Art Contemporain Genève autour de toute une série d’évènements vivants: la semaine «Créateurs Singuliers» (du 27 mai au 1er juin)
Comisaria  de l ‘exposicion: Katya García Anton.texte du Centre d’Art  Contemporain de Genève
 

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Categorías:Arte para profanos